Patrick Caulfield

Patrick Caulfield estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros estaban alumnos como David Hockney y R. B. Kitaj. Después de que lo abandonara, regresó a Chelsea como profesor.

En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.

Desde alrededor de mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, After Lunch (1975) fue uno de los primeros ejemplos. Still-life: Autumn Fashion (1978) contiene una variedad de estilos diferentes -algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, pero un bol de ostras está representado más realisticamente, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas. Caulfield más tarde regresó a su estilo de pintura precedente, más desmontado.



Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo unos pocos objetos sencillos en un interior. Típicamente, usa áreas planas de color simple rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.

En 1987 Caulfield fue nominado al Premio Turner y en 1996 fue nombrado CBE.

El 24 de mayo de 2004, un fuego en un almacén destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluyendo una o más de Caulfield.

Murió en 2005, y está enterrado en el Cementerio de Highgate Cemetery. Entre los que han seguido su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.

Wilhelm Sasnal

Wilhelm Sasnal (Tarnów, 29 de diciembre de 1972) es un artista polaco.

Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, donde se graduó en 1999. En 1996 había fundado, junto con otros artistas, un grupo al que llamaron «Ladnie», con el que buscaban alejarse de los postulados academicistas y conseguir la atención del público y de los galeristas, pero Sasnal pronto abandonó tal grupo, que acabó disolviéndose. En el año 2006, Wilhelm Sasnal ganó con tres obras cinematográficas el Premio Bienal para el Arte Contemporáneo Vincent van Gogh.1


Sasnal produces pencil drawings, ink drawings, photographs, videos and paintings. In his art he employs a variety of media and cultivates a non-uniform practice.

Sasnal is primarily a painter. There are no limits to what he paints: More or less banal everyday objects, portraits of historical figures, views of his home town Cracow, snapshots of friends and family members and very often existing images from the internet or mass media are his starting point. Even if, over the years, one can make out a number of overarching themes, there are always new paintings that shift the emphases and connections once again. The same is true of his painting style. His approach is unpredictable and his methods range from graphic reduction and a pointedly two-dimensional, illustration-oriented style to seemingly autonomous gestures with brush and paint. Like Neo Rauch, however, Sasnal makes the grip of the Communist era on the post-Communist imagination his subject.




While painting is still at the centre of Sasnal’s work, he has also increasingly turned to photography and film in recent years. The video work The Band (2002) was made during a live performance of indie rock band Sonic Youth. A 2007 piece is a product many times removed from the 1961 Polish movie on which it is based – a fictionalized account of a historical event in which a railway worker accidentally sold industrial methyl alcohol as vodka, causing widespread illness, blindness and death. The 16-mm film projection Untitled (2007) is based on found-footage from the late 1970s of Elvis Presley. Swiniopas (Swineherd) (2008), his first ever feature-length film, is an adaptation of a 1842 Hans Christian Andersen fairytale of the same name yet radically deviates from the original. Shot in black and white, Sasnal’s version is set in bleak, rural Poland. It concerns a swineherd who smuggles letters back and forth between a farmer’s daughter and her lesbian lover. Also in 2008, Sasnal caused controversy in Scotland with his film The Other Church, which focused on the brutal murder of the Polish student Angelika Kluk in Glasgow.

Le Corbusier (Charles Édouard Jeanneret-Gris)

Fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura (junto con Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Alvar Aalto y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Nació en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Edouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo Le Corbusier, variación humorística (ya que evoca a la palabra cuervo) del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música.

The open hand monument



En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds, en Suiza. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte, la Villa Fallet. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevan su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en el registro posterior de sus obras.

La iglesia St. Pierre de Firminy






Contribuciones teóricas a la arquitectura

Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)2 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.
Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.

Richard Avedon

Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.



En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.





El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

René Magritte

Problematiza Magritte poéticamente la percepción, con acciones conscientes contra lo real. Estructura pictóricamente una semántica reñida con la nominación y lo nominable para ofrecernos una obra interlocutora del inconsciente. En oposición a la armonía Magritte se las ingenia para exponer dilemas que se apoyan en un origen recurrentemente intelectual. Bélgica 1898. René Francois Ghislain Magritte , su madre se suicidó. Surrealismo L luz intensa producida por un rayo pertinaz y que rompe nuestros contactos con lo terreno.

Influenciado inicialmente por Giogio di Chirico, Magritte descubre poco a poco, la fuerza de un lenguaje que se articula con imágenes de profundidad indefinible. Es un proceso semiótico regido arbitrariamente en el concierto de las convulsiones históricas que se van redimensionando en los canales expresivos de una estética que como la de Magritte voló en mil pedazos con todo y sus premisas para multiplicar fantásticamente sus temáticas a lomos de una fantasía liberada pese a todo. Surrealismo: estremecimiento sutil y profundo que nos asalta cuando la realidad no puede ser nombrada.



Magritte, surrealista, pasa de largo la tentación de los sueños para pintar enigmas como quien posee la fuerza de un azar lúdico para enfrentar destinos, como quien sabe perfectamente adónde conducen pasillos de laberinto.



Magritte, vigente, tesis que camina obediente de la mano rasposa del tiempo acusando fantásticamente el truco de la historia bajo una realidad enmascarada.
"Pintar un cuadro como si fuera una trampa...y la trampa consiste en una inevitable interpretación en la que caerán los amantes de la simbología, y pensarán en cualquier cosa menos en la idea absoluta que este cuadro describe."

Magritte rompe en algún momento con una cierta coherencia perceptiva que es distinguible en parte de su obra. Surrealismo : Triángulo temido del cual se afirma nadie regresa. Es tiempo de todos los tiempos venideros. La mancha sanguinolenta se convirtió en paréntesis que ratifica lo mismo en muerte, destrucción, humillación, abandono y soledad entre tantas soledades. El tiempo es de todos los tiempos que hoy exudan aún las balas sangrantes del monstruo que aún muerto siguió matando energías, siguió sembrando depresiones, siguió enrareciendo la atmósfera con su aliento mortecino y putrefacto...y aún sigue.
Magritte vigente lo es en cuerpo y espíritu porque aún hoy nos rodean los mismos síntomas de destrucción sin pendejadas. Magritte en su conjunción de elementos opuestos y contradictorios encontró un proyecto expresivo capaz de conflictuar las relaciones entre el arte y la realidad y el problema de la no realidad en el arte.
Magritte conflictúa la denominación de los elementos presentes en cada cuadro alterando los esquemas occidentales que paralizan el pensamiento reduciendo el potencial cognoscitivo por la vía de una especie de objetualización de la experiencia en unidades sonoras, arbitrarias y codificadas.
Son "observatorios" para una exploración lúdica de ida y vuelta, son "cartografía" arbitraria de un universo sin puntos cardinales. Son naves seductoras que despegan y aterrizan pertinaces movidas por la propulsión fantástica de las emociones íntimas y, son también, "espejos" que reflejan, cómplices, el tinglado complejo de voluntades y deseos múltiples para cerrar la "pinza" de un juego interno nada nuevo.

Cada obra se mece colgada en el tendedero de las provocaciones múltiples, esperando y generando respuestas y discursos que ya no están en la palabra pero que están ahí oreándose bajo los rayos simbólicos de un sol cultural que las vitamina, fortaleciendo esa toma de placer estético que se excita "tan callando".
En la azotea de los resultados, la experiencia notifica los elementos, lo elemental, lo primitivo y lo primero. Queda claro de nuevo que están ahí prendidos con pinzas las prendas más íntimas de la vida sintetizando misterios y formas en cada forma sincerada consigo mismo al saberse prenda íntima también.
Malabareamos gustosos con símbolos de frescura incontable mientras nos dejamos sorprender por los lengüetazos intensos de la obra que se hace pertinente para atraparlos en el laberinto carruselesco de esas imágenes que nos arropan.
Es ése uno de los grandes chistes, de los grandes humores, que enseñan enseñando con sus paradojas, sus contradicciones y su necedad. Es como aplaudir a una manos que se quitan los guantes para aplaudir. Es como meter la cabeza a una caja de espejos y sorprendernos por el realismo de la imagen.




Si por algo entonces se mueven las palancas de un lenguaje trenzado siempre con la sorpresa, es porque se parece al amor curioso este de exponernos en la conjunción de verbos balbuceados siempre, capaces de poner en comunión ese conjunto de prendas íntimas, que tanto se parecen a nosotros.
La pintura le ofrece a Magritte un reducto que se subordina a las necesidades más íntimas de su fantasía transgresora, revolviéndose en la hierba fresca del paisaje más frondoso donde florecen las metamorfosis.

Marcel Mariën

Marcel Mariën (Anvers, el 29 de abril de 1920 - Bruselas, el 19 de septiembre de 1993) es un escritor surrealista belga, un poeta, un ensayista, un editor, un fotógrafo, un cineasta, un creador de encolados y de objetos insólitos. Es en 1979 el primer historiador del surrealismo en Bélgica.

Nacido en Anvers de una madre valona y de padre flamenco Marcelo Mariën entra en 1933 al liceo de Amberes dónde prueba(experimienta) dificultades de adaptación, ser totalmente dada la enseñanza allí en flamenco. El día de sus quince años, está colocado como aprendiz mismo en casa de un fotógrafo y se ejercita en la fotografía. El mismo año frecuenta la Escuela popular superior para los trabajadores y encuentra en una exposición dos cuadros(tableros) de René Magritte. En 1936 descubre los libros(libras) y las revistas surrealistas, comienza a escribir poemas en su espíritu. Recadero y escardillo - papel en casa de un agente de cambio y bolsa cuyas algunas sumas desvía(vuelve), va a ver en 1937 en Bruselas René Magritte, encuentra así a Pablo Colinet luego Luis Scutenaire, Irene Hamoir, Pablo Nougé, y participa en septiembre en la exposición surrealista organizada por E. L.T. Mesens en Londres. Expone a eso su primer objeto, El imposible de encontrar (título dado por Magritte), sus gafas, que acaba de romper, reducidas a un solo vidrio y dos lados:

Haciendo a partir de enero de 1939, durante diecisiete meses, su servicio militar en Anvers, Mariën colabora en enero de 1940 en La Invención colectiva de Magritte y Umbría. En el momento de la invasión de Bélgica, le cuida(asiste) a los heridos al hospital de Amberes antes de ser evacuado en mayo, transportando con él dos grandes maletas llenadas de libros(libras) de los que conseguirá no separarse. Replegando sobre Dunkerque y Berck, es aprisionado, recobrando(volviendo) a pie Amberes luego atravesando Bélgica en camión, siendo llevado en tren en Nuremberg luego en el campo de Görlitz en Alta Silesia, afectado(destinado) cerca de Hohenelbe (Vrchlabi, en checo(Checa,checa)) al desmonte y a la excavación. Después de nueve meses de cautividad, en 1941 ha liberado en Amberes, encuentra(recobra) en Bruselas (en bicicleta) a Magritte, Nougé, Scutenaire, Umbría y encuentra a Christian Dotremont. Funda entonces las ediciones La Aguja imantada (nombre dado por Nougé que publica particularmente Moralité du sommeil de Pablo Éluard, con tres dibujos de Magritte, y conoce a "Elisabeth" que será durante diez años una de sus pasiones más duraderas.




Mariën participa rápidamente con Scutenaire y Nougé en la invención de los títulos de las pinturas de Magritte. A partir de 1942 viaja frecuentemente a París que transporta clandestinamente para un comercio ilegal de las pinturas de Renoir, Picasso, Léger, Chirico o Magritte. " Del 1942 al 1946, vendío un número importante de dibujos y de cuadros, atribuidos principalmente a Picasso, Giro y Chirico, totalmente confeccionados por Magritte ", escribe él - même. Puede así publicar varias obras bajo el estandarte El Espejo infiel. Alrededor de la revista La Mano a pluma, encuentra en París Queneau, Leiris, al pintor Dominguez. En agosto de 1943 publica la primera biografía de Magritte la que defenderá en 1947, en Las correcciones naturales, el " período Renoir ". En Lovaina pronuncia con Dotremont una conferencia sobre el surrealismo. En 1945 Mariën colabora en la revista El Cielo azul con Colinet y Dotremont, comienza a publicar con Magritte una serie de prospectos y octavillas bromistas y subversivas (El imbécil, El coñazo y El enculeur, estos dos últimos cogidos por el correo), publica La tierra no es una valle de lágrimas (Bretón, Carro, Colinet, Dominguez, Dotremont, Eluard, Irene Hamoir, Magritte, Picasso, Queneau, Scutenaire, Umbría) y, en 1946 y 1947, edita la colección El Espejo infiel.



En 1948 Mariën se instala como librero en Bruselas (Au Miroir d'Elizabeth), sobreviviendo gracias a trabajos de mecanografía. Piensa con Nougé la recuperación de Correspondencia. " Par nécessité autant que par désespoir sentimental " , se embarca en diciembre de 1951 a Rotterdam como chico de mess sobre " Silver Ocean ", buque de carga equipado de calas frigoríficas para el transporte de los frutos. Hace así el viaje entre las Antillas francesas (Fort-de-France ou Basse-Terre) et la Normandie (Rouen ou Dieppe), realizando el contrabando de cigarrillos y de perfumes. Su vuelta a Bruselas es celebrada el 8 de marzo de 1953 por un banquete, en casa de Geert van Bruaene, en el cual participan Goemans y Colinet, E. L.T. Mesens, Renoir y Magritte, Irene Hamoir y Luis Scutenaire.
Mariën vive entonces durante un tiempo con una prostituta del barrio(cuarto) de la estación del Norte, escribe artículos para el consejero cultural soviético, despacha a propuesta de René Magritte, con su hermano Pablo Magritte, una existencias de 500 billetes de cien francos falsos que asegura en sus memorias estar dibujadas y grabadas por él peintre. Desde marzo de 1953 encuentra a Jane Graverol en el la inauguración de una exposición de Magritte que organiza en la bodega de los Temps mêlés que fundó en diciembre de 1952 André Blavier en Verviers. Durante una decena de años vivirá con ella un enlace tumultuoso. Fundan juntos con Nougé la revista Les Lèvres nues (Los Labios desnudos), subversivos y anticlericales y staliniste, que aparece en abril de 1954 y publica en enero de 1956 Histoire de ne pas rire



Colección de los escritos teóricos de Nougé. Rompe con Magritte en 1954.Mariën todavía cuenta en sus memorias(informes) una estafa cuya idea tiene en 1958. Al concurso organizado por la sociedad en la cual trabaja y patrocinado por una marca(señal) de polvo de colada(detergente), hace ganar, teniendo el conocimiento de la mitad de las respuestas, de las sumas importantes a comparsas. El concurso es suspendido sin embargo rápidamente como constituyendo una infracción de la reglamentación de los juegos de azar. Con sus ganancias illicites Mariën, después de haber realizado en 1958 una película experimental de cinco minutos, Opus Ninguno, produce y realiza en 1959 la película La Imitación del cine, de la que Tom Gutt es el actor principal, la farsa érotico-freudiana contra la Iglesia, que provoca en el momento de su proyección el 15 de marzo de 1960 un escándalo seguido el 17 de una queja dejada al ministerio fiscal de Bruselas. La película será todavía proyectada en Liege, en Anvers en una sala de actos y en París en el Museo del Hombre luego, la demanda de autorización

Juan Muñoz (escultor)

Juan Muñoz nació en Madrid en 1953, el segundo de una familia de siete hermanos. En la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el Croydon College y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York con una beca. Tuvo su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces expuso sus trabajos frecuentemente en Europa y otras partes del mundo.



A comienzos de los años noventa, Juan Muñoz comenzó a producir obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural en interacción mutua distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda.
Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y finalmente bronce.



Además de en la escultura, Muñoz se interesó en la creación de carácter auditivo, produciendo algunos trabajos para radio. Uno de sus trabajos más reconocidos en este medio fue el que realizó junto con el compositor británico Gavin Bryars a principios de los años 1980, llamado A Man in a Room, Gambling (un hombre en una habitación, apostando), el cual constaba de Muñoz describiendo trucos de naipes acompañado por una composición de Bryars. Las piezas, diez segmentos de no más de cinco minutos, fueron emitidas por la cadena de radio Radio 3 de la BBC.
En una programa de radio inédito (Third Ear, 1992), Juan Muñoz planteaba que existían dos cosas imposibles de representar: el presente y la muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia.



Se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2000.
Juan Muñoz falleció súbitamente de un paro cardíaco provocado por un aneurisma de esófago y una hemorragia interna a los 48 años de edad veraneando en Santa Eulalia del Río, Ibiza, el 28 de agosto de 2001. Al momento de su muerte se encontraba en exposición su obra Double Bind en el museo Tate Modern de Londres.







Escultura de Juan Muñoz en la terraza del Museo Reina Sofía.